혁명 이전의 패션. 패션 디자인의 역사. 샤넬 남성 스타일

많은 유럽 국가에서이 어려운시기에 패션과 스타일에 큰 변화가있었습니다. 전쟁이 발발하면서 많은 패션 하우스가 문을 닫았고 대부분의 여성은 혼자 남겨졌으며 가족에 대한 전적인 책임을 져야했습니다.

그들 중 많은 사람들이 사무실, 산업 및 병원에서 남편의 일자리를 얻었습니다. 어떤 식 으로든 남성적인 생활 방식을 이끌어야했기 때문에 적절한 옷과 심지어 유니폼을 입었습니다.

작업에 필요한 편의를 제공하기 위해 옷을 갈아 입고 더 넓어졌고 많은 사람들이 보석, 모자, 코르셋을 벗고 무성한 헤어 스타일을 단순히 머리 뒤에서 벗겨진 롤빵으로 바꿔야했습니다 ...

전쟁이 시작되기 전에 재단사가 옷의 모든 요소와 일반적으로 옷 자체의 이상적인 핏에 조심스럽게 접근했다면, 전시에서는 "블라우스 나 스커트가 어떻게 앉는가", "칼라가 어떻게 설정되어 있는지"에 대해 이해하지 못했고, 많은 사람들이 그것에 맞지 않았습니다. 전쟁은 여성들로 하여금 옷의 편리함에 대한 그들의 견해를 재고하도록 강요했습니다.

전쟁 전에 여름 패션 잡지에서 치마의 실루엣이 바닥으로 좁아 져 소개되어 한동안 유효했지만 점차적으로 드레스와 슈트가 새로운 방식으로 재건되었으며 겉옷에 대해서도 마찬가지입니다.

원피스 슬리브가있는 컷이 선호되었습니다. 이 의상 디자인은 일본식 기모노를 닮았습니다. 기모노 소매는 한때 Paul Poiret에 의해 소개되었으며 전쟁 전과 전쟁 중에이 컷은 상류층 여성들 사이에서 가장 성공적이었습니다.

당시에는 재봉 과정에서 특별한 기술이 필요하지 않았기 때문에 어떤 목적의 의상도 기모노 스타일로 자르고 태만의 인상을 남겼습니다. 그래서 과실에 대한 패션이 들어 왔습니다.

"블라우스는 가방 같았고 한쪽은 깊게 접혀 있고 다른 한쪽은 부드럽습니다." 당시 양복을 만드는 것은 어려운 일이 아니라는 것이 밝혀졌습니다. 조심스럽게 다림질 할 필요도 없습니다. 정장이나 드레스가 캐주얼하게 보일수록 인상이 더 좋습니다.

재료는 단순히 피규어에 던져지고, 어딘가에 모이고, 어딘가에 갈아서 필요한 것이 가방 모양의 실루엣입니다.

제 1 차 세계 대전은 트렌치 코트, 바다 재킷, 장교의 외투, 금속 단추, 카키색, 패치 포켓, 베레모, 모자와 같은 군사 스타일의 의류로 여성을 충분히 풍부하게했습니다.

조종사의 헬멧을 연상시키는 작은 모자, 거친 벨트, 테두리 및 스탠드 칼라가 인기를 얻고 있습니다. 그리고 패션 잡지는 집에서 만든 의류에 대한 재단 및 재단 기술을 제공합니다. 탈부착 가능한 허리와 페 플럼, 어깨 끈, 레이스 장식의 수트 스타일이 등장한다.

잡지는 애도 스타일을 게시합니다. 모든 것이 검은 색이고 닫혀 있고 애도 베일이 달린 모자입니다. 이제 스커트의 테이퍼 드 밑단이 완전히 떨어졌습니다. 남편의 직장이나 병원으로 달려 가야 할 때 발을 다듬어야하는 사람.

옷이 아래로 넓어지고 가슴 아래의 허리 선이 제자리에 떨어지고 더 낮아졌습니다. 단 1 년 만에 실루엣이 방추형에서 사다리꼴로 변경되었습니다. 이를 마무리하기 위해 여성들은 머리를 자르기 시작했습니다. 첫 번째로 서둘러 일하는 것이 더 편리했습니다. 두 번째로 전쟁 중 항상 그렇듯이 비위생적 인 조건이 발생하고 세 번째로 불필요한 모든 것을 제거하려고했습니다.

남자들은 한때 아름다운 동반자와 여자 친구의 새로운 모습에 충격을 받았습니다. 장 르누아르 (예술가의 아들)는 친척을 보았을 때의 충격을 이렇게 설명합니다.“... 베라의 새로운 모습은 저를 너무나 놀라게했습니다. 우리는 긴 머리를 가진 소녀들을 기억했습니다. 그리고 갑자기 ... 우리 절반이 우리의 동등한 동지가되었습니다.

몇 번의 가위 움직임과 가장 중요한 것은 여성이 영주와 주인의 일을 처리 할 수 \u200b\u200b있다는 발견, 수천 년 동안 남성에 의해 참을성있게 세워진 사회 건물이라는 발견은 영원히 파괴 된 것으로 밝혀졌습니다. "

전쟁의 첫해에 오래된 치마를 입었고 새로운 치마를 넓게 만들었습니다. 따라서이 기간 동안 세 가지 유형의 스커트가 정의되었습니다. 주름 또는 주름진 주름 치마, 허리의 플레어 스커트, 일종의 2 층 스커트를 나타내는 두 개의 플레어 주름 스커트.

몸통의 컷은 원피스 소매가 지배적이며, 라글란 소매가 자주 발견되었으며, 몸통 바닥은 부드러운 주름으로 만들어져 자유로운 움직임을 느낄 수있었습니다.

이 기간은 패션과 스타일에 큰 영향을 미쳤으며 패션 역사에서 과도기적 인 것으로 간주됩니다. 1914 년부터 1918 년까지의 기간 동안 많은 혁신이 나타났습니다. 그런 장대 한 세계 사건의 시대에 유행 할 시간이없는 것처럼 보이지만 그럼에도 불구하고 발전했습니다.

닫힌 패션 하우스도 전쟁도 여성이 스스로 무언가를 발명하고 개발하는 것을 막지 못했습니다. 모든 국가가 동일한 상황을 갖고있는 것은 아니며 사회의 모든 계층이 아닙니다. 그러나 여성은 여전히 \u200b\u200b여성으로 남아 있습니다. 그리고 전시에는 보석이 아니라 같은 옷으로 자신을 꾸미고 싶을 때가있었습니다.

앞쪽의 슬픈 소식에도 불구하고 모든 사람이 쓴 운명은 아니기 때문에 뒤쪽의 \u200b\u200b삶이 좋아지고 있었기 때문에 인생을 최대한 살며 재미있게 살고 싶습니다. 전쟁이 끝날 무렵 공이 다시 열리고 옷의 풍부한 장식이 나타납니다.

전쟁이 시작된 직후 (무릎 바로 아래) 등장한 짧은 치마가 길어집니다. 아주 짧은 시간이긴하지만, 스커트가 위에서 아래로 가늘어졌습니다. 1917 년부터 1918 년까지 패션 디자이너들은 자연스럽게 변화하는 패션에 대한 영향력을 어떻게 든 복원 할 수있었습니다. 그러나 사실 새로운 스타일에 대한 검색이 시작된 순간이있었습니다.

많은 패션 하우스는 자연스럽게 태어난 패션에 적응하려고 노력했습니다. 패션 하우스가 열리기 시작하고 장인이 활동을 재개합니다. Jeanne Paquin, Madeleine Vionne, Edouard Monet과 같은 Callot 자매는 다시 일하기 시작합니다.

한편 마드모아 젤 샤넬은 새로운 여성의 이미지를 만들기 시작합니다. 그 당시 뛰어난 거장 중 한 명은 Erte () 였는데, 그는 전쟁 이전에도 Paul Poiret의 원본 스케치를 만들었습니다. 전쟁이 끝날 무렵 그는 국제적으로 유명한 의상 디자인의 대가가되었습니다.

Erte는 많은 패션 잡지, 특히 미국판 Harper 's Bazaar와 협력했습니다. 이브닝 가운부터 심플한 수트까지 그의 아름다운 디자인은 흠 잡을 데없이 독특합니다. Erte의 많은 테마 중 하나는 바지를 입은 여성이었습니다. 그의 스케치에서 그는 거장 기술로 바지, 바지, 바지를 암시하는 세부 사항을 강조하는 의상을 만드는 아이디어를 제안합니다.

프랑스 작가 Romain Rolland는 한때 그가 죽은 지 100 년이 지난 후 사회가 어떻게 변할지 과학자들의 논문이 아니라 패션 잡지에서보고 싶다고 말했습니다. 작가는 철학자와 역사가를 합친 것이 아니라 패션이 그에게 사회 변화의 실화를 말해 줄 것이라고 확신했습니다.

그리고 여기에 자발적으로 발전하는 패션의 결과가 있습니다.

전쟁에서 돌아온 재단사들은 이전의 권리를 재확인하기 위해 여성들이 직접 만든 새로운 패션을 받아 들여야했습니다. 크리 놀린, 코르셋 및 "타이트 패션"이 패배했습니다.

군대는 또한 자체적으로 패션을 변경했습니다. 군복은 너무 편안해서 민간 생활에서 계속 모방했습니다.

유럽에서의 군사 작전 외에도 식민지 전쟁도있었습니다. 여기에서 튀니지와 모로코의 패턴 패브릭, 숄, 스카프가 나타났습니다. 심플한 컷옷의 등장과 함께 여성의 옷장에는 이국적인 문양이 풍부한 옷이 등장하고 뜨개질, 아플리케, 자수, 프린지, 비즈에 대한 사랑이 높아졌다.

전쟁은 여성의 해방에 영향을 미쳤습니다. 평등을위한 투쟁에서이 기간 동안 여성은 이전보다 훨씬 더 큰 성공을 거두었습니다.

지난 세기는 크리 놀린, 소동, "폴로네즈", 돌만, 모든 종류의 풍부한 프릴과 프릴의 시대입니다. 미녀 시대 (아름다운 시대)의 한가운데서 그 뒤를 잇는 세기는 단순함과 상식으로 구별되며, 디테일은 여전히 \u200b\u200b세 심하게 다듬어졌지만 드레스의 주름진 장식과 부 자연스러운 선은 점차 배경으로 사라진다. 단순함에 대한 이러한 욕구는 여성복의 두 가지 주요 원칙 인 자유와 착용의 편안함을 분명히 선포 한 1 차 세계 대전 발발과 함께 더욱 강해졌습니다.

아름다운 시대-호화로운 시간

1900 년대에 당신이 사회의 엘리트에 속한 세련된 젊은 영국 여성이라면, 뉴욕이나 상트 페테르부르크에서 온 같은 종류의 다른 여성들과 함께 1 년에 두 번 파리 순례를해야했습니다.

3 월과 9 월에 여성 그룹이 rue Halevy, la rue Auber, rue de la Paix, rue Taitbout 및 Place Vendome의 스튜디오에 참석하는 것이 목격되었습니다.
뒷방에서 재봉사들이 열렬히 일하는이 비좁은 상점에서 그들은 다음 시즌을 위해 옷장을 선택하는 데 도움을 준 개인 영업 사원을 만났습니다.

이 여성은 그들의 동료였으며 개인 및 재정적 삶의 가장 어두운 비밀을 모두 알고있었습니다! 이 초기 패션 하우스의 생존은 전적으로 강력한 고객에게 달려 있었고 작은 비밀을 아는 것이 도움이되었습니다!

Les Modes의 복제품으로 무장 한 그들은 Poiret, Worth, Callot 자매, Jeanne Paquin, Madeleine Cheryuis 및 다른 사람들과 같은 위대한 디자이너의 최신 작품을 둘러보고 친구와 적을 모두 능가하는 옷장을 찾았습니다!

수십 년이 지났고 모든 이음새와 모든 스티치가 보이는 정적 여성의 끔찍한 잡지 이미지는 새로운 사진 방식의 이미징 방법을 사용하는 더 느슨하고 부드러운 아르누보 스타일로 대체되었습니다.

판매원과 함께 여성들은 다음 6 개월 동안 의상을 선택했습니다. 란제리, 가정 복, 워킹 드레스, 번갈아가는 옷, 기차 나 자동차로 여행 할 수있는 정장, 유휴 시간을위한 이브닝 드레스, Ascot과 같은 특별한 경우를위한 의상, 결혼식, 극장 방문. 목록은 끝이 없으며 여기의 모든 것은 지갑 크기에 달려 있습니다!

Edwardian 여성용 옷장 (1901-1910)

속옷부터 시작합시다. 낮과 잠옷, 바지, 무릎 높이 및 페티코트와 같은 여러 속옷 품목으로 구성되었습니다.

여성들은 조합을 선택하여 하루를 시작한 다음 몸통이있는 S 자 모양의 코르셋을 입었습니다.

다음은 주간 앙상블이었습니다. 이들은 보통 친구를 만나거나 쇼핑 할 때 입을 수있는 공식적인 아침 옷이었습니다. 원칙적으로 깔끔한 블라우스와 쐐기 모양의 스커트로 구성되었으며, 시원한 날씨에는 재킷을 입었습니다.

점심으로 돌아 오면 재빨리 낮옷으로 갈아 입을 필요가있었습니다. 여름에는 항상 파스텔 색상의 화려한 옷이었습니다.

저녁 5 시까지는 코르셋을 벗고 차복을 입고 휴식을 취하고 친구를 맞이하는 것이 가능했다.

저녁 8 시가되자 그 여자는 다시 코르셋으로 끌려 갔다. 때로는 속옷이 신선하게 변경되었습니다. 그 후, 집이나 필요하다면 외출을위한 이브닝 드레스의 차례였습니다.

1910 년까지 그러한 드레스는 동양적 동기에서 영감을 얻은 새틴과 실크 드레스가 엘리트들 사이에서 매우 인기를 얻은 Paul Poiret의 영향으로 변화를 겪기 시작했습니다. 1910 년 런던의 대히트는 하렘 팬츠가 화려한 이브닝 드레스!

낮에는 스타킹을 하루에 적어도 두 번-면화-낮에는 착용-저녁에는 아름다운 자수 실크 스타킹으로 변경해야했습니다. 에드워드 여성이되는 것은 쉽지 않았습니다!

에드워드 실루엣-신화와 현실.

1900 년-1910 년

1900 년까지 하녀의 도움으로 모든 고위 사회 여성들은 매일 그녀의 어머니와 할머니처럼 호흡을 어렵게 만드는 단단한 코르셋으로 몸을 끌어 당겨야했습니다. 여자에게는 매우 고통 스러웠습니다! 확실히 그 시대에 스너프 판매는 매우 수익성이 좋았습니다.

코르셋의 목적은 [그림을 믿는다면] 비둘기처럼 상체를 앞으로 밀고 엉덩이를 뒤로 옮기는 것이었다. 그러나 Marion McNealy는 삽화를 1900 년대 여성 사진과 비교했습니다. 파운데이션에서 제안한 S 자형 코르셋의 실제 목적은 어깨를 뒤로 들어 올려 엉덩이와 가슴의 곡선을 강조하여 가슴을 들어 올리고 엉덩이를 둥글게 만드는 도전적인 직립 자세였다.

이 문제에 대한 제 의견은 다음과 같습니다. 현대 패션 일러스트레이션에서와 같이 라인을 과도하게 강조하는 경향이 있습니다. 위의 Lucille 패션 하우스의 1905 사진과 Edward Sambourne의 런던에서 온 젊은 여성의 아름다운 자연 사진을 비교하면 여성이 코르셋을 너무 많이 조이지 않았 음을 증명합니다!

Charles Dana Gibson의 삽화와 Gibson의 여자 친구 Camilla Clifford가 등장하는 엽서로 대중화 된 당시 Edwardian 여성의 이상화 된 버전 일 가능성이 높기 때문에 Edwardian 여성 형태에 대한 매우 과장된 인상을 받았습니다.

드레스 패션-1900-1909

여성들은 엄격한 스타일의 재킷, 롱 스커트 [약간 올린 밑단], 하이힐 발목 부츠를 입기 시작했습니다.
실루엣은 1901 년 S 자형에서 1910 년까지 엠파이어 라인으로 점차 바뀌기 시작했습니다. 에드 워디 언 여성의 일상복에 사용되는 일반적인 색상은 밝은상의와 어두운 바닥의 두 가지 색상 조합이었습니다. 소재는 린넨 [빈곤층 용],면 [중산층 용], 실크 및 고급면 [상급 용]입니다.

세부적인 측면에서 Belle Epoque에서 레이스 주름 장식은 여성의 사회적 지위를 나타냅니다. 어깨와 몸통의 수많은 주름 장식과 스커트와 드레스의 아플리케.

코르셋 금지에도 불구하고 특히 새로운 중산층 여성은 더 많은 사회적 자유를 느끼기 시작했습니다. 여성들이 자전거를 타고 해외로 여행하는 것은 매우 정상적인 일이되었습니다. 예를 들어 E.M.의 책을 바탕으로 한 멜로 드라마 영화 "A Room with a View"에 완벽하게 포착 된 알프스 나 이탈리아 등이 있습니다. Forster는 1908 년에 출판했습니다.

인기있는 캐주얼웨어는 높은 칼라가 달린 흰색 또는 밝은 색상의면 블라우스와 가슴 아래부터 발목까지 어두운 쐐기 모양의 스커트로 구성되었습니다. 일부 스커트는 허리에서 가슴 아래까지 코르셋에 꿰매어졌습니다. 이 스타일은 단순한 블라우스와 스커트로 1890 년대 후반에 처음 등장했습니다.

종종 치마에 단일 이음새가 있었기 때문에 가장 절망적 인 인물조차도 즐거운 조화를 얻었습니다!

치마와 드레스는 바닥에 꿰매어졌지만 여성들이 카트에 올라 타는 것이 편리했습니다. 1910 년까지 밑단은 더 짧아졌으며 발목 바로 위에서 끝났습니다. 처음에는 블라우스의 실루엣에 부피가 큰 어깨가 있었지만 1914 년에는 부피가 크게 감소하여 엉덩이가 더 둥글게되었습니다.

1905 년까지 자동차의 인기가 높아지면서 패션에 민감한 여성들은 가을과 겨울에 비옷이나 세미 롱 코트를 입기 시작했습니다. 이 코트는 어깨에서 허리까지 15 인치 정도되는 매우 패셔너블했습니다. 그런 옷을 입고 발목까지 닿지 않는 새로운 짧은 치마를 입어도 여성은 대담 해 보였습니다! 외부가 축축하거나 눈이 내렸다면 부츠를 신어 옷을 먼지로부터 보호 할 수 있습니다.

오후 드레스는 다양한 파스텔 색조와 수많은 자수로 만들어졌지만 공식적인 저녁 식사, 회의 및 보수적 인 여성 모임에 참석하기 위해 입었 기 때문에 1900 년대에도 여전히 보수적이었습니다. 여기서 복장 규정은 빅토리아 시대의 삶을 바라 보는 여성들의 영향을 받았습니다!

여성들이 집에 있다면 보통 오후 5 시까 지 입는 티 드레스는 훌륭했습니다. 보통면으로 만들어졌고 흰색이며 매우 편안했습니다. 에드워드 여성이 코르셋을 벗고 정상적으로 숨을 쉴 수 있었던 유일한 시간이었습니다! 여성들은 종종 친구를 만나고 차를 마시 며 즐겁게 지 냈습니다. 왜냐하면 매우 비공식적 일 수 있기 때문입니다!

에드워드 영국에서 여성들은 2 월부터 7 월까지 진행되는 런던 시즌 동안 파리에서 가장 좋은 의상을 선보일 기회가 주어졌습니다. Covent Garden, 왕실 리셉션, 개인 무도회 및 콘서트, Ascot의 경마에 이르기까지 사회의 엘리트들은 최신, 최고 및 최악의 의상을 선보였습니다.

에드 워디 언 시대의 이브닝 가운은 여성의 가슴과 보석을 드러내는 폭락하는 목선과 함께 허식적이고 도발적이었습니다! 1900 년대의 이브닝 드레스 고급스러운 소재로 수 놓은. 1910 년에 여성들은 큰 이브닝 드레스, 특히 드레스에 기차를 포기하기로 결정하고 러시아 시즌에서 영감을 얻은 Poiret Empire 스타일로 전환 한 프랑스 여성에 질리기 시작했습니다.

에드 워디 언 시대가 이미 끝 나가던 1909 년, 무릎 아래에 가로 채기가있는 좁은 치마에 이상한 패션이 있었는데, 그의 도착은 Paul Poiret에게도 기인합니다.

그런 타이트한 스커트는 여성의 무릎을 꽉 조여서 움직임을 어렵게 만들었다. Poiret의 주요 미국 라이벌 인 Lucille에 의해 인기가 높아지는 챙이 넓은 모자 (경우에 따라 최대 3 피트)와 결합하여 패션은 1910 년까지 끝까지 사라진 것처럼 보였습니다.

에드워드 시대 1900-1918 년의 헤어 스타일과 숙녀 용 모자

그 당시 패션 잡지는 헤어 스타일에 큰 관심을 기울이기 시작했습니다. 가장 인기있는 것은 "Pompadour"스타일의 집게로 컬링 된 컬로 간주되었습니다. 이는 가장 빠른 헤어 스타일링 방법 중 하나였습니다. 1911 년, 10 분 퐁파두르 헤어 스타일이 가장 인기가 있습니다!

이러한 헤어 스타일은 고정 된 헤어 스타일을 가리는 놀랍도록 큰 모자를 가지고있었습니다.

1910 년까지 퐁파두르 헤어 스타일은 점차 로우 퐁파두르로 바뀌었고, 1 차 세계 대전이 시작되면서 단순한 로우 셋 빵으로 발전했습니다.

이 헤어 스타일을 활용하기 위해 모자는 롤빵 바로 아래에 착용하기 시작했으며 이전의 넓은 테두리와 밝은 깃털이 사라졌습니다. 전시 규범은 그러한 것들을 승인하지 않았습니다.

"러시아 시즌"1909-변화의 바람

1900 년까지 파리는 세계의 패션 수도가되었고 패션 하우스 Worth, Callot Soeurs, Doucet 및 Paquin이 최고 이름에 속했습니다. 오뜨 꾸뛰르 또는 오뜨 꾸뛰르-이것은 파리, 런던 및 뉴욕의 영향력있는 엘리트에게 판매하기 위해 가장 비싼 직물을 사용하는 회사의 이름입니다. 그러나 스타일은 동일하게 유지되었습니다-엠파이어 라인과 디렉토리 스타일-하이 웨이스트와 직선, 나일강의 초록색과 같은 파스텔 색상, 옅은 분홍색과 하늘색, 사회 엘리트의 티 드레스와 이브닝 드레스를 연상시킵니다.

변화를위한 시간입니다. 이것은 다음과 같은 사건들에 의해 선행되었습니다 : 모더니스트 운동에서 나온 아르 데코 스타일의 영향; 1906 년 설립자 세르게이 디아길레프 (Sergei Diaghilev)가 주최 한 전시회 형태로 처음 개최 된 러시아 시즌의 시작으로, 1909 년 러시아 제국 발레단의 경이로운 공연으로 Leon Bakst가 디자인 한 화려한 동양풍 의상을 선보입니다.

댄서 Nijinsky의 하렘 팬츠는 여성들 사이에서 큰 놀라움을 불러 일으켰고, 기회주의의 대가 Paul Poiret는 잠재력을 고려한 하렘 스커트를 만들어 잠시 동안 영국 상류층의 젊은이들에게 매우 인기가있었습니다. 1906 년 Bakst의 삽화에 영향을받은 Poiret는 자신의 작품에보다 표현력있는 삽화가 필요하다고 느꼈고, 그 결과 당시 알려지지 않은 Art Nouveau 일러스트 레이터 Paul Iribot을 고용하여 그의 작품 "Dresses by Paul Poiret"를 설명했습니다. 이 작품이 패션과 예술의 출현에 미친 영향은 아무리 강조해도 지나치지 않습니다. 그 후,이 두 위대한 스승은 20 년 동안 함께 일했습니다.

현대 패션의 출현-1912-1919

1912 년에는 실루엣이보다 자연스러운 모양을 갖게되었습니다. 여성들은 꽉 끼는 데이웨어의 기초로 길고 곧은 코르셋을 입기 시작했습니다.

이상하게도 1914 년 과거로의 짧은 복귀는 향수에 불과했습니다. Poiret 패션 하우스를 포함한 대부분의 패션 하우스는 번잡함, 후프 및 가터 훈장으로 일시적인 세련된 솔루션을 제시했습니다. 그러나 변화에 대한 욕구는 더 이상 멈출 수 없었으며 1915 년 유럽에서 치열한 피비린내 나는 전쟁이 벌어지면서 Callot 자매는 완전히 새로운 실루엣, 즉 직선베이스 위에 고리가없는 여성용 셔츠를 선보입니다.

전쟁 초기의 또 다른 흥미로운 혁신은 일치하는 블라우스의 등장이었습니다. 캐주얼 스타일을 향한 첫 번째 단계는 여성 정장의 주요 요소가 될 운명이었습니다.

코코 샤넬은 여성용 셔츠 나 셔츠 컷 드레스를 좋아했고 인기있는 미국 재킷이나 선원 블라우스 [벨트로 묶인 헐렁한 블라우스]에 대한 사랑 덕분에 인기있는 해변 마을 도빌 (새 상점을 열었던 곳)에서 선원들이 입는 점퍼를 개조했습니다. 대담한 일상 벨트와 포켓이있는 여성용 가디건을 만들어 5 년 전의 1920 년대 패션 이미지를 예고했습니다.

당시 젊은 여성 의류를 전문으로했던 또 다른 디자이너 인 Chanel과 마찬가지로 Jeanne Lanvin은 슈미즈의 단순함을 좋아했고 그녀의 고객을위한 여름 드레스를 만드는 데 착수했으며, 이는 제한적인 드레스에서 벗어남을 예고했습니다.

1914 년 제 1 차 세계 대전 발발은 파리 컬렉션의 국제 전시를 끝내지 않았습니다. 그러나 보그 편집자 에드나 울만 체이스가 프랑스 패션 산업을 돕기 위해 자선 행사를 조직하려는 시도에도 불구하고, 파리는 파리의 경쟁자 인 미국이 이런 상황을 어떤 식 으로든 이용하려한다는 것을 정당하게 걱정했습니다. Les Modes 및 La Petit Echo de la Mode와 같은 당시 유행하는 프랑스 빈티지 정기 간행물이있을만큼 운이 좋다면 전쟁에 대한 언급이 거의 없다는 점에 유의하세요.

그럼에도 불구하고 전쟁은 모든 곳에서 격렬했고 1940 년대와 마찬가지로 여성복은 필요에 따라 더욱 군사적이었습니다.

옷이 합리적이었습니다. 엄격한 라인의 재킷, 심지어 따뜻한 하프 코트와 바지도 전쟁에 도움이 된 여성이 착용하면 특별한 여성 윤곽을 얻었습니다. 영국에서는 여성들이 자원 봉사 의료 팀에 합류하여 육군 간호 서비스에서 근무했습니다. 미국에는 특별 여성 대대뿐만 아니라 MP의 여성 보조 요원이 예비되었습니다.

그러한 군대는 상류층 여성을 대상으로 한 반면, 여러 국가, 특히 독일의 노동 계급 여성은 군사 공장에서 일했습니다. 이러한 사회 계급의 흔들림의 결과로 가난하고 부유 한 사람이 남녀 모두 함께 한 때와는 달리 여성복의 해방과 같은 현상이 커졌다.

1915 ~ 1919 -새로운 실루엣.

아르누보 인물의 시대

이제 여성 속옷의 강조는 여성 체형을 형성하는 것이 아니라 그녀의 지원이었습니다. 전통적인 코르셋은 이제 더 신체적으로 활동적인 여성에게 없어서는 안될 브래지어로 발전했습니다. 최초의 모던 브라는 1914 년에 특허를 획득 한 Mary Phelps Jacob에서 나왔습니다.

전통적인 몸통은 아름다운 넓은 스카프 벨트로 묶인 높은 허리의 패션으로 대체되었습니다. 천연 실크, 린넨,면 및 양모와 같은 직물이 사용되었으며 능직, 개버딘 (양모), 오간자 (실크) 및 쉬폰 (면, 실크 또는 비스코스)과 같은 인공 실크도 사용되었습니다. Coco Chanel과 같은 젊은 디자이너 덕분에 저지와 데님과 같은 소재가 생기기 시작했습니다.

1910 년. 드레스 디자인의 수평적인 모습이 나타났습니다. 또는 재킷과 테일러드 스커트 위에 입는 인기있는 Poiret 기모노 재킷과 같은 세로 케이프가 사용되었습니다. 캐주얼웨어의 밑단은 발목보다 약간 위에있었습니다. 전통적인 바닥 길이의 이브닝 가운은 1910 년부터 약간 상승하기 시작했습니다.

1915 년에는 플레어 스커트 (군사 크리 놀린이라고도 함)의 등장, 옷의 길이 감소, 결과적으로 보이는 신발의 등장과 함께 새로운 실루엣이 등장하기 시작했습니다. 힐이 달린 레이스 업 슈즈는 겨울 모델에 좋은 추가가되었습니다. 베이지와 화이트 색상이 일반적인 블랙과 브라운 색상에 합류했습니다! 적대 행위가 발전함에 따라 이브닝 드레스와 차 옷이 컬렉션에서 사라지기 시작했습니다.

Annette Kellerman-수영복 혁명

에드워드 시대의 수영복 디자인은 해변의 여성들이 스타킹을 신었지만 다리를 과시하기 시작했을 때 공공 관습을 전복 시켰습니다.

호주인, 특히 수영복에 혁명을 일으킨 호주인 수영 선수 인 Annette Kellerman을 제외하고는 수영복이 1900 년에서 1920 년으로 점차 바뀌 었다는 점에 주목해야합니다.

Kellerman은 미국에 도착하자마자 꽉 끼는 수영복을 입고 해변에 나타 났고, 그 결과 외설적 인 누드로 매사추세츠에서 체포되었습니다. 그녀의 재판은 수영복 역사에 전환점이되었고, 그녀의 투옥으로 이어진 구식 규정을 없애는 데 도움이되었습니다. 그녀는 Max Sennett의 수영복 미녀 룩과 나중에 나온 Jantzen의 섹시한 수영복 표준을 만들었습니다.

찰스턴 드레스 룩의 탄생

로우 웨이스트 톰보이 드레스 스타일이 언제 등장하여 1920 년에 표준이되었는지 정확히 파악하기는 어렵습니다. 1914 년 Jeanne Lanvin이 만든 모녀의 이미지가 여기에서 주목을받습니다.

딸의 작은 힙 스터 직사각형 드레스를 자세히 살펴보면 몇 년 후 지배 할 Charleston 드레스를 찾을 수 있습니다!

블랙은 제 1 차 세계 대전 당시 표준 색상이었고, 몸집이 작은 코코 샤넬은 전시 복뿐만 아니라 그 외 중립적 인 색상을 최대한 활용하기로 결정했고 샤넬의 단순성에 대한 애정 덕분에 허리가 낮은 벨트가 달린 셔츠 드레스가 탄생했습니다. , 모델은 1916 년 Harpers Bazaar에서 공개되었습니다.

그녀의 더 스포티하고 캐주얼 한 드레스에 대한이 사랑은 그녀가 가게를 열었던 해변 마을 도빌에서 파리, 런던 등으로 빠르게 퍼지기 시작했습니다. Harper 's Bazaar의 1917 년 판에서 샤넬이라는 이름이 단순히 구매자의 입술을 떠나지 않았다는 사실이 밝혀졌습니다.

Paul Poiret의 스타는 전쟁이 시작되면서 사라지기 시작했으며 1919 년 새로운 실루엣의 수많은 아름다운 모델과 함께 돌아 왔을 때 그의 이름은 더 이상 감탄할 수 없었습니다. 1920 년 파리에서 우연히 샤넬을 만난 그는 그녀에게 다음과 같이 물었습니다.

"부인, 누구를 위해 슬퍼합니까?" 샤넬은 시그니처 블랙 컬러를 입었습니다. 그녀는 "당신을 위해, 나의 사랑하는 푸 아레!"라고 대답했습니다.

패션은 우리의 옷장뿐만 아니라 형태에 대한 감탄이든 고딕 질병에 대한 패션이든 이상을 선포합니다. 옷의 패션은 몸의 패션에서 비롯됩니다. Pre-Raphaelites, 귀족적 흰색 피부, 여성스러운 컬, 바닥으로 흐르는 드레스의 사진에서와 같이 분리 된 부드러움을 강조했습니다. 찰스턴 드레스는 평평한 보이시 인물에 완벽하게 맞습니다. 무거운 남성적인 피부, 부드러움을 없애고 심지어 장엄한 모습으로 강한 여성을 강조합니다. 패션은 무엇을 입어야하는지, 어떻게 입어야하는지, 어떤 자세를 유지해야하는지, 미용사를 떠날 때 어떤 모습이 우리를 동반 할 것인지, 의심 할 여지없이 우리가 마담 패션이 우리에게 말한대로 머리로했던 곳을 우리에게 직접 알려줍니다. 여성의 아름다움은 역사의 거울입니다.

유물

그리스 고대의 문화는 신체의 형태를 신성화하고 그와 관련된 모든 것을 칭찬합니다. 올림픽은 운동 선수의 형태의 아름다움에 매혹적이며, 공개적인 모습에는 뒷줄에 있고 스피커를 듣지 못하는 사람들을위한 말의 의미를 몸짓으로 보여주는 능력, 지나가는 사람들이 완전히 볼 수있는 체조, 음, 물론 그리스인 중에서도 최고의 예술이었던 조각을 잊지 말아야한다.

완전히 정반대의 상황은 몸이 불멸의 영의 일시적인 껍질에 불과했던 동쪽에있었습니다. 가장 높은 가치는 생각, 글쓰기입니다.

고대와 중세, 르네상스와 현대, 우리의 근대성은 영성과 신체 숭배의 일련의 기복입니다.

1900 년대 패션

여성의 신체에 대한 해석과 이미지는 매년 10 년에서 10 년으로 바뀌 었습니다. 제 1 차 세계 대전 때까지 여성은 미스터리와 여성의 몸을 그대로 유지했다. 즉 여성의 누드가 유행하지 않았다. 1900 년대에 여성 실루엣의 패션은 처음에는 초자연적 인 생물로 여성을 식별 한 아르누보 스타일의 영향을 크게 받아 변화를 시작했습니다. 새로운 실루엣은 튀어 나온 배와 등이 휘어진 고딕 양식으로 패션을 변경했습니다. 그러한 실루엣의 패션은 십자군 시대의 임산부 출현과 남성 부재의 인기와 관련이 있습니다. 새로운 S 자 실루엣은 전작과는 완전히 정반대였으며 주로 당시 속옷의 구조와 특히 가슴을 들어 올리고 좁은 허리를 강조한 코르셋의 곡선 형태로 인해 극단적 인 경우 37cm에 달했다.

1906 년 에드워드 시대에 여성 실루엣의 패션은 그 시절 영국 귀족의 취향을 흡수하여보다 곧은 신고전주의 실루엣을 찾았습니다. 프랑스 아르누보와 관련하여 더 존경받을 만하고 더 솔직한 의상의 매우 흑백 및 스트라이프 색상조차도 신장과 기하학을 강조했습니다.

1910 년대 패션

1909 년 이래 S.P.의 "Russian Seasons"성공으로 인해 하렘 테마에 대한 관심이 높아지고 있습니다. 파리의 디아길레프. 패션은 코르셋을 버리고 오토만에 기대는 점액질의 반쯤 벗은 둥근 여성에게 관심을 끌었습니다. 통통하고 통통한 팔과 다리를 가진 완전한 형태가 숭배의 대상이되었습니다. 유명한 "패션의 황제"인 Paul Poiret는이 패션 트렌드를 처음으로 도입하여 코르셋리스 드레스, 최초의 바지-바지 및 투명 드레스를 소개했습니다. 이것은 20 세기에 처음으로 신체에 대한 패션이었습니다.

제 1 차 세계 대전 당시 여성이 남성의 기능을 맡아 여성 패션이 해방되었습니다. 노동 활동은 실루엣을 곧게 펴고 패스너를 뒤쪽에서 앞으로 이동시키고 머리카락을 자르고 빗질을 더 쉽게 만듭니다. 남성의 부재로 인해 여성의 몸에 대한 패션이 군사적 안개로 사라졌습니다.

그 당시 새로운 유형의 여성이 탄생했습니다. 뱀파이어는 당시의 속어에서 "뱀파이어"라고 불 렸는데,이 유형의 여성은 거친 외모를 강조하는 교활한 유혹자와 같은 뜻으로 검은 그림자로 두껍게 요약되었습니다. 최초의 여성 뱀파이어는 영화 배우 Ted Bara였습니다.

20 년대 패션

1918 년 전쟁이 앞선 남성들의 쇠약해진 계급을 되찾았을 때 여성들 간의 경쟁이 치열해져 그 시대의 모든 패션에 몸의 전시가 스며 들었습니다. 1920 년대는 신고전주의와 근대성의 일종의 융합 인 새로운 스타일의 아르 데코를 탄생 시켰습니다. 몸과 그 형태에 대한 완전히 새로운 태도, 즉 반 소년 여성, 십대의 이미지로 여성의 새로운 이미지가 탄생했습니다. V. Marguerite "La Garson"(프랑스어로 "소년"을 의미)의 유명한 스캔들 소설을 가볍게 제출하면서 여성 패션은 가슴, 엉덩이, 넓고 평평한 허리 등 보이시 한 형태를 얻었습니다. 1900 년대에 여성이 흉상을 늘리기 위해 다양한 준비물을 먹도록 강요했다면 마사지 치료사를 방문한 다음 1920 년대에는 여성을 가슴을 숨기는 특별한 평평한 몸통으로 만들었습니다.

Poiret의 노력으로 여성들은 코르셋을 벗었고 Coco Chanel의 양복과 드레스의 단순한 모양 덕분에 완전히 잊혀졌습니다. 최근까지 전혀 보이지 않았던 신체 부위 (뒷면)가 패셔너블 해졌습니다. 여성들은 14 세기 초부터 코르셋을 착용했고, 코르셋을 잃어버린 후 가능한 한 자주 등을 보여야한다고 결정했습니다. 새로운 패션 트렌드를 방해 한 유일한 사실은 창백했다. 첫 번째 혼합 해변이 나타 났는데, 여기서 여성들은 처음에 태양을 향해 열린 다음 열린 등과 맨손으로 이브닝 드레스를 입고 사회 앞에 나타납니다. 고딕 양식의 창백한 패션이 태닝 패션으로 대체되었습니다.

시카고에서 소녀 체포 공공 장소에서 수영복을 입기 위해

로우 웨이스트 드레스의 길쭉한 실루엣은 1924 년까지 지배적이었습니다. 등과 팔을 드러내면서 대담해진 여성들은 다리를 보여줌으로써 남성의 관심을 끌기위한 싸움을 강화하기로 결정했습니다. 1924 년과 1925 년에 패션 하우스 Chanel과 Jean Patou는 여성에게 크롭 무릎 길이의 스커트를 입혔습니다. 숙녀들은 종아리와 발목을 보이기 시작했고 이로 인해 누드 스타킹이 탄생했습니다. 여성 패션은 점점 더 몸을 열었고, 재즈 음악 (예 : Charleston)에 대한 대중적인 춤이 그녀를 도왔습니다.

30 년대 패션

그러나 1929 년 대공황으로 사치의 향유가 끝났습니다. 롤스 로이스의 코카인 드라이브와 반짝이는 춤으로 20 년대의 흥청 거리는 소리를 완전히 다른 가치로 대체했습니다. 패션은 비너스 드 밀로의 모양과 함께 신고전주의 아름다움의 질서있는 실루엣을 채택했습니다. Elsa Schiaparelli, Madeleine Vionnet과 같은 파리 패션 하우스는 앤티크 스타일의 커튼으로 패셔너블 한 실루엣의 여성 스러움을 보완했습니다.

40 년대 패션

1935 년 유럽 전체주의의 영향을 받아 길쭉한 드레스는 엄격한 형태의 재킷, 정장 및 코트로 대체되었습니다. 페미닌 한 패션은 첫 번째 패딩 행거의 정사각형 남성성에 감싸여 프레임 의류 아래에 형태를 숨겼습니다. 여성 패션의 이러한 트렌드는 1943 년 제 2 차 세계 대전 당시 어깨 크기가 놀라 울 정도로 절정에 달했습니다. 계엄령은 여성을 전사로 만들었다.

50 년대 패션

1947 년 Dior의 전설적인 "New look"은 밀리터리 패션을 훼손했습니다. 빅토리아 시대의 패션을 되찾은 Dior는 여성의 허리를 코르셋으로 묶고 엉덩이를 둥글게하고 전쟁에 지친 여성의 패딩 옷걸이를 꺼 냈습니다. 패션은 미스터리, 여성 스러움, 세련미를 되찾았습니다.

60 년대 패션

1960 년대에는 유명한 "비틀즈"와 "롤링 스톤즈"라는 이름으로 이전에 존재하지 않았던 젊은이들을위한 패션을 열었습니다. 여성 패션은 인기 트위기의 벤치 마크로 20 년대 보이시 한 실루엣을 되찾았다. 반복되는 실루엣에도 불구하고이 시대의 패션은 많은 발견을했습니다. 우주 비행은 알루미늄, 플라스틱 및 반짝이는 프린지로 패션을 엮어 양모, 실크 및면을 뒤로 밀었습니다. 이 방향은 Paco Rabanne, Pierre Cardin, Courreges가 기꺼이 지원하여 모델을 우주선 승무원으로 전환했습니다. 그러나이 유행 시대의 직물 변경은 충분하지 않았고 모양이 바뀌 었습니다 .Mary Quant의 가벼운 손으로 미니 스커트가 유행했습니다.

패션은 1968 년에 티셔츠, 조끼, 셔츠, 청바지와 같은 남성용 옷을 입어 새로운 모습을 선보였습니다. 헤어 스타일에서도 유니섹스가 모든 곳에서 느껴졌습니다. 히피족은 사랑과 평화를 상징하는 스티커와 문신으로 몸을 장식하는 과정에서 몸에 대한 태도를 완전히 바꿨습니다.

70 년대 패션

이 마약의 행복은 오늘날까지 이어질 수 있었지만, 여성의 본질 만이 양성 평등과 조화를 이루지 않았고, 20 ~ 30 년대 전쟁 전 패션에 대한 사랑과 관련하여 1970 년대 초에 등장한 새로운 복고풍 스타일의 사치로 부활했습니다. 좁은 어깨, 낮은 허리, 맥시와 미디 스커트, 여성 신체의 비율을 바꾼 플랫폼은 여성 신체에 대한 관심을 새롭게했다. 자유로운 사랑, 최초의 성인 영화, 잡지, 옷을 벗는 것이 보편화되었습니다.

80 년대 패션

그러나 1980 년대 초, 자유로운 사랑의 결과에 대해 알려졌고, 이것은 패션과 신체에 대한 태도에 반영되어 그 가치에 대한 인식이 생겼습니다. Yohji Yamamoto와 Kenzo Takada와 같은 일본 디자이너는 레이어드 블랙 의상으로 여성의 몸을 조심스럽게 숨기고 나머지 패션 하우스 디자이너가 뒤를이었습니다. 패션은 여성의 실루엣을 형성했으며 Thierry Mugler와 Claude Montana의 성공적인 컬렉션은 40 년대의 어깨를 되찾았습니다.

90 년대 패션

일본 디자이너의 성공에 이어 프랑스 패션의 반응이 이어졌습니다. Jean Paul Gaultier와 Christian Lacroix는 여성 형태의 패션을 되살 렸습니다. 90 년대의 첫 3 년은 강조된 코르셋과 여성적인 섹슈얼리티의 폭락하는 목선으로 30 년대와 50 년대를 반영했습니다. 그런 다음 위기, 그런지, 민족 및 생태와 같은 새로운 스타일의 탄생이 왔습니다.

신체에 대한 관심에 대한 패션은 Jean-Paul Gaultier가 제안한 브라질 인디언의 의식 문신 형태로 부활했습니다. 그러나 팬들을 너무 겁내지 않기 위해 디자이너는 몸에 문신을 채우지 말고 그에게 그림이 인쇄 된 살색 터틀넥의 도움으로 시도해 보라고 제안했습니다.

패션은 예술이며 때로는 작가의 환상의 작품을 낳고 과거의 장엄함에 감탄하고 현재의 압력에 지쳐 있습니다. 그러나 그것은 항상 움직이고, 주기적으로 움직이며, 역사를 반영합니다. 패션은 때로는 연약한 자연의 창조물을 숨기는 것처럼 여성 형태를 고치로 감싸고 때로는 여성의 몸을 조롱하고 부 자연스러운 이상을 고양하지만 때로는 여성의 진정한 아름다움을 보여줍니다.이 순간 그녀는 아름답습니다!

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1900 년대가되었고 20 세기가 시작되었습니다. 새로운 세기의 공포와 재앙, 두 번의 세계 대전의 비극을 예표 한 것은 아직 없습니다. 잡지와 사진에서 미녀의 도자기 얼굴이 미소 지었고 그중 Gibson 소녀를 볼 수 있었고 그 옆에는 아름다움과 패션의 유행을 선도하는 새로운 미녀가 나타났습니다. 여기에는 모든 패셔니 스타가 모든 것을 모방하려고 노력한 비교할 수없는 오페라 가수 인 Lina Cavalieri가 포함되었으며 대도시 청중은 프랑스 댄서 인 Cleo de Merode에게 박수를 보냈습니다. 모든 것이 영원 해 보였습니다 ...

1900 년대는 19 세기의 마지막 10 년 동안 존재했던 아르누보 스타일의 연속으로, 양고기 소매 또는 피곤한 구부러진 걸음 걸이가있는 S 자 모양의 모습을 제공하며, 그 존재가 끝날 무렵 코르셋의 추방에 완전히 접근했습니다. 프랑스의 아르누보 스타일은 독일에서는 "아르누보", 이탈리아에서는 "유겐트 스타일", "자유"라고 불 렸습니다.

1900 년대 초, 여성용 코르셋은 계속해서 숫자를 축소했습니다. 코르셋이 여성복에서 근본적인 자리를 차지한 것은 짧지 만 밝은 현대 시대였습니다. 19 세기 말에 S 자 모양의 몸통은 거의 감지 할 수 없었지만 1900 년대에는 이미 심각했습니다. 아르누보 코르셋은 가장 완벽한 응용 예술 작품 중 하나가되었습니다. 모든 부품은 목적 측면에서 독특 할뿐만 아니라 그 자체로도 아름답습니다.

코르셋-1900 년대의 창조는 각 요소, 기능, 위치 및 서로의 조합에 대해 특별한 관심과 연구를 할 가치가 있습니다. 아르누보의 전성기는 코르셋의 존재의 마지막 기간으로, 그림의 윗부분은 앞쪽으로 구부러지고 아래쪽 부분은 뒤쪽으로 유지했습니다. 가슴은 무성하고 부피가 커 보이며 약간 아래쪽으로 이동했으며 허리 볼륨은 최소화되었습니다.

코르셋은 배를 조이고 몸통 앞쪽을 늘려 허리 선이 앞쪽 아래에 있고 뒤쪽의 자연스러운 선 위에 있도록했습니다. 따라서 S 자 모양은 더욱 표현력이 풍부했습니다. Rubensian 형태를 가진 사람들은 더 쉬웠고, 다른 사람들은 앞뒤로 두 개의 "언덕"을 더 무겁게 만들기 위해 교활하고 발명품을 사용해야했습니다. 때때로이 "언덕"은 너무 높아서 소유자가 균형을 잃을 위험에 처했습니다.

이때 인공 흉상에 대한 광고가 잡지에 한 번 이상 게재되어 요청에 따라 볼륨이 증가 할 수 있습니다. 엉덩이에 붓기를주기 위해 코르셋에 부착 된 특수 패드가 사용되었습니다. 일반적으로 그 당시의 전체 코르셋 디자인은 감탄할만한 가치가 있습니다.

몸통의 길이를 늘리면 무성한 주름, 몸통 커튼, 레이스 요크, 주름 장식, 주름 장식 등 많은 머리 위 요소를 몸통에 배치 할 수 있습니다. 스커트는 엉덩이에 꼭 맞고 밑단을 따라 펼쳐져 있습니다. 높은 스탠드 업 칼라는 셀룰로이드 플레이트로 제자리에 고정되거나 수많은 프릴 형태로 만들어졌습니다.

이브닝 드레스에는 깊은 목선이 있었고 그러한 드레스는 일반적으로 "칼라"와 같은 장식품으로 착용되었습니다. 예를 들어 여러 줄의 진주 구슬이 될 수 있습니다. 스탠드 칼라와 목 장식의 모양은 긴 "백조"목을 강조했는데, 머리는 울창한 머리 모양 (때로는 자신의 머리카락이 아닌 패딩 롤러)로 얹혀있었습니다.

이 모든 구조를 머리에 유지하려면 모든 종류의 빗, 머리핀 및 머리핀이 필요했습니다. 이 머리 장식은 거북이 껍질, 진주의 어머니, 투각 주름진 뿔로 만들어졌으며 대부분은 거북이 껍질을 모방 한 셀룰로이드 빗으로 제한되었습니다.

빼놓을 수없는 액세서리는 추측 만 할 수있는 실크 스타킹과 맨손의 얇은 띠도 남기지 않는 좁은 장갑이었다. 아르누보 여인은 너무 조심스럽게 끈으로 묶여 있고, 맨 팔이나 목의 작은 부분이 남성의 감탄을 불러 일으켰고이 사람의 수수께끼를 풀게했습니다.

그녀의 의상 전체 컬렉션의 전체 여성은 구슬 패턴, 레이스 및 타조 깃털의 폭포, 귀중한 모피 및 반짝이는 실이있는 실크로 구성된 얇은 흐르는 직물로 구성된 놀라운 것이 었습니다. S 자 모양은 깃털, 리본, 활로 장식 된 큰 모자와 균형을 이루어야했습니다. 이 모자는 거의 1900 년대 후반까지 지속되었습니다. 그리고 타조 깃털은 가장 비싼 장식이었고 사회에서 높은 지위의 상징이었습니다.

겨울 옷에는 모피 모자와 모자가 있었고 러시아에서는 "보 야르"모자를 썼습니다. 거대한 모자, 보아스, 머프, 향수 향기, 주름 장식, 레이스, 팬, 바람이 잘 통하는 우아한 속옷-이 모든 것이 매력적인 힘을 가졌고 감탄을 불러 일으켰습니다. 세기의 전환기에 그들은 유혹의 수단 이었기 때문입니다. 그런데, 일부만이 볼 수 있었던 속옷은 그 기간 동안 특히 더 많은 관심을 요구했습니다. 이것은 파리에서 출판 된 수많은 잡지에 의해 촉진되었고이 주제에 대한 패션을 다루었습니다.

1900 년대 후반에 동양은 기모노 스타일의 로브와 모닝 망토, 랩 어라운드 블라우스, 중국 실크로 만든 파라솔 우산, 게이샤 스타일의 헤어 스타일 등 여성용 옷장에 침투하기 시작했습니다. 그러나 동양에는 여전히 풍부하고 선명한 색상이 없었고 파스텔 색상이 우세했습니다. 결국 러시아 발레단이 파리에 등장한 바로 그 순간부터 깜짝 놀랄만 한 성공을 거둔 첫 투어가 열린 순간부터 화려하고 밝은 색상과 패턴의 화려한 동양이 패셔니 스타들에게 문을 열었다.

점차적으로 매력적인 모양이 우아하고 얇은 모양으로 바뀌기 시작했습니다. 이 기간 동안 잡지는 운동과 호흡을 방해하지 않고 편안하고 넓어야하며 코르셋을 여성 옷장에서 완전히 제거 해야하는 의류 개혁에 대해 많은 것을 썼습니다.

심플한 드레스 등장"개혁"드레스라고 불 렸습니다. 그들은 어깨에서 떨어졌고, 꽤 넓었 고, 간신히 높은 허리 윤곽이있었습니다. 처음에는 일부 여성들이 집에서 그러한 드레스를 입을 수 있도록 허용하고 가까운 친구와 친척 만 입었습니다.

"개혁"에서 여성복의 또 다른 예는 스탠드 칼라가 달린 흰색 "American"블라우스로, 그 위에 넥타이가 묶여 있고 스커트가 아래로 넓어지고 허리와 복부가 좁아졌습니다. 그것은 낮의 복장이었다- "2". 또한 "투"가 맞는 재킷으로 보완 된 "쓰리"의상도있었습니다. 소매는 어깨에 모 였지만 이들은 이전의 소매 위대함의 잔재였습니다. 팔꿈치 바로 위의 햄, 소매는 좁아지고 바로 손가락으로 끝났습니다. 왜냐하면 괜찮은 여성은 귀에서 발끝까지 드레이프해야하기 때문입니다.

정장-세 조각은 트로터라고 불렀습니다.... 그 외에도 많은 여성들이 헤어지지 않은 지팡이 우산이있었습니다. 그들은 봄과 가을에 그런 옷을 입는 것을 좋아했습니다. 겨울철에는 세키 코트, 맨틀, 모피가 달린 원형 홀, 모피 코트, 벨벳 코트를 입었습니다.

자수로 수 놓은 케이프 케이프가 유행했습니다. 케이프는 일반적으로 챙이 넓은 모자와 함께 착용되었습니다.

신발 더 자주 그들은 "프렌치 힐 (French heel)"을 가졌고, 그들은 특히 훌륭한 솜씨를 가진 어린 양의 가죽 인 가장 부드러운 가죽 chevro로 만들어졌습니다. 모든 신발 모델은 길쭉한 발가락을 가졌고, 버클로 장식되어 있거나, 갑이 닫혀있는 "혀", 발목 부츠와 레이스 업 신발이 유행했습니다. "프렌치 힐"에 새겨진 강철의 "퐁파두르"라는 금속판이 부착되었습니다.

그러나 같은 10 년 동안 여성들이 귀에 묶여있는 것처럼 보였을 때 해방의 시대가 다가오고있었습니다. 새로운 여성의 시대가 다가 왔습니다.

의심 할 여지없이, 파리는 가장 밝고 가장 유명한 패션 수도 중 하나이며, 심지어 100 년 전에도 대담한 디자인 결정과 세련된 스타일로 인해 전 세계의 감탄과 놀라움을 불러 일으켰습니다. 지금 가장 흥미로운 일이 캣워크에서 일어나고 있다면, 1910 년 경마장에 와서 가장 세련된 드레스와 액세서리를 직접 볼 수있었습니다.

1910 년 무렵 여성복의 실루엣은 더욱 부드럽고 우아해졌습니다. "Scheherazade"발레의 엄청난 성공 이후, 동양 문화에 대한 열풍이 파리에서 시작되었습니다. Couturier 폴 푸 아레 (폴 푸 아레)는 이러한 트렌드를 패션계에 최초로 도입 한 사람 중 하나입니다. Poiret의 고객은 밝은 색상의 바지, 화려한 터번 모자, 여성이 이국적인 게이샤를 닮은 화려한 드레스로 쉽게 알아볼 수있었습니다.

이때 아르 데코 운동이 형성되어 즉시 패션에 반영되었습니다. 펠트 모자, 키가 큰 터번 모자 및 풍부한 얇은 명주 그물이 유행했습니다. 동시에 런던, 부에노스 아이레스, 마드리드에 해외 디자인 사무소를 처음으로 오픈 한 최초의 여성 디자이너 Jeanne Paquin이 등장했습니다.

당시 가장 영향력있는 패션 디자이너 중 한 명은 Jacques Doucet였습니다. 그의 디자인은 다른 것들과 달랐습니다. 그들은 파스텔 색상의 의상이었고, 여분의 레이스와 보석이 태양 아래에서 반짝 반짝 빛나고있었습니다. 그는 극장 무대뿐만 아니라 일상 생활에서도 드레스를 입은 프랑스 여배우들이 가장 좋아하는 디자이너였습니다.

20 세기 초에는 하이 웨이스트 드레스가 인기를 끌었습니다. 그러나 1910 년에는 긴 치마 위의 튜닉이 유행했습니다. 이 의상의 레이어링은 그 당시 거의 모든 디자이너 컬렉션에서 관찰되었습니다. 나중에 1914 년에 발목이 강하게 가늘어지는 치마가 유행하게되었습니다. 그런 옷을 입고 돌아 다니는 것은 꽤 어려웠지만 아시다시피 패션에는 때때로 희생이 필요합니다.